gooood Idea NO.48

(only in Chinese) Records for Long Museum West Bund after it opened for 5 years.

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龙美术馆西岸馆5周年记

柳亦春
大舍建筑创始人

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又是樱花盛开的日子。3月28日是龙美术馆西岸馆的开幕纪念日,不觉已经5年。

回想5年前的这一天,一切仍历历在目。那一天,王馆长和一直在朋友圈自称馆长助理的幕后老板刘总吵架了。在开幕的新闻发布会上,夫妇二人气鼓鼓地坐在沙发的两端,各看两方,据说已经好几天不说话了,起因则是为了美术馆的开幕日期。刚好开幕当日樱花绽放,我和刘总说,你看这166棵樱花昨晚还是骨朵,今天就都开了,一定也是命中注定。以后樱花一开,就是美术馆的生日,多好。刘总就开始笑着夸夫人能干了。

▼鸟瞰樱花中的龙美术馆,aerial view of Long Museum West Bund during cherry blossom season ©田方方

美术馆从开始设计到完成,总共两年4个月的时间。开始时定的开幕日期是2013年12月28日,因为龙美术馆浦东馆是2012年12月28日开幕的,这是个吉利的日子。然而,一早我就知道,这么短的工期完成那样的设计实在是太难,开始是觉得完全不可能的。2013年的夏天特别热,每天都有工人中暑,看着邮箱里工地发来的施工简报,最多的一天有50几个工人中暑,那些日子几乎每天心都悬着,生怕工地的工人有个三长两短,一有事故就麻烦了,当然,赶工期带来的问题就是错误不断,必须每天以最快的速度做出反应,让工地改,还是将错就错地补救?要迅速决断。混凝土在浇筑凝固时要放出大量的热量,这更加加剧了工地的温度,所以浇筑的工作都是在每天清晨的3点进行的,混凝土从搅拌站到工地必须在1个小时内开始浇筑,3小时内完成浇筑,才能保证清水混凝土的质量。

▼施工现场,construction site ©大舍

随着施工的进行,馆长也觉得12月28日是有点无望了,元旦过后就是春节,开幕的日子被延后到了春节后的3月28日,尽管我是多么地希望如果是5月28日会更有余地一些,不断游说馆长未果,就去游说馆长“助理”,我跟刘总说盖房子百年大计,不差那么两个月,如果赶工引起质量问题,老修多烦啊!刘总是有大智慧的人,就去说服馆长,但是那时因为请柬都发出去了,新闻也公布了,馆长咬牙坚持还是3月28日,我看得出那时馆长的坚定信念和果敢的魄力,馆长说,这时候松一口气,5月28日也完不成,可能还真是这个道理。结果就是馆长和“助理”几乎一个月没说话,结果就是那最后一个月里,屋顶还没做防水,室内就开始施工了,布展也开始了。因为是岁末时节,人大政协照例也要来关心视察,为了倒逼施工进度,工地还先把脚手架拆了,逼着用到脚手架工序的工作都必须提前干掉,急到防水卷材还没有施工到位种植土就上了屋顶。开幕不久后的雨季还不时漏点水,大厅里用了红色的桶去接水,看到微博上不少的质疑与指责,心里还是很痛的,又不能说什么,只好忍着。

最让人着急的是幕墙,为了坚持采用超白玻璃,也是磨破了嘴皮费劲了心机。最后还是因为工期的原因,展览这一边用了超白玻的丝网印刷,商店和报告厅那一侧用了普通半钢化玻璃,最后展览厅的天窗因为要先封闭才能提前进行室内施工,等不及超白玻的供货,无奈答应先用泛绿的普通玻璃以后再换,后来我都说我宁可自掏腰包也要换一下天窗的玻璃,但是完工就没人理我了,看到大厅中的光从上面下来的和从侧面进来的光色质量完全不同,悔恨了很久,如今不想倒也忘了。

施工的过程中人是敏感到了极点,一到工地满眼看到的都是错误。开始工人都很烦我,后来逐渐也觉得在干着一件伟大的工作,最后我一到工地,工头直接就说:“柳老师,你看哪里要改?!”的确,因为土建、室内、布展都交织一处,每一天都在协调各种管线,地下室天花的施工高度一直在变化,那边做展柜的一直在等着最后的确定值。每个工种都在抢各自的进度,那些日子去工地最多的就是决定消防管改位置还是风管改位置,完了就瘫倒在还没封上玻璃有些新鲜空气的半螺旋楼梯的下方。那段时间刘总几乎也是每天泡在工地里,大半夜地也坐在楼梯那儿,想抽烟,点上又掐掉,工地不能吸烟,念叨最多的一句就是:“折腾,折腾啊!”

▼施工现场,construction site ©大舍

越临近展览,每天跑工地的次数越来越多,幸好办公室离得不远,最多是一天去4次,西岸集团的李总也是没事就去工地,总能在工地遇到他。开幕前三天的半夜两点被叫醒,地面出问题了。原本为了避免分缝而研发的聚氨酯基的精磨石因为在磨的时候聚氨酯成分发热而显出了红色,一地斑驳,这下可急坏了。最后还是决定在表面薄层涂装具有足够硬度的聚氨酯自流平,结果出来的效果比我预想的效果还要好。供应商非常内疚地觉得不是小样块的细小的磨石子效果,一直在道歉,我说其实比原来的效果好,供应商还以为我在安慰他。今天回想起来,参与这个项目的每一个人都是尽了最大的努力在推进这个项目,这才有了今天大家所熟知的龙美。从时任徐汇区的区委领导到西岸集团的项目管理团队到我们的设计团队再到施工的每一个工人的努力,共同构成了项目的成功。开幕那天李总忽然在龙美的门口把我抱起来,搞得我很有点不好意思,但是也非常感动,如果不是各方力量同心同德,是不可能在这个时间完成这个项目的。

▼刚拆掉脚手架的施工现场,construction site after removing the scaffold ©大舍

那段时间大家最纠结的还是关于清水混凝土。因为是美术馆,到底清水墙面能否满足展览的要求,争论最大。第一次和央美美术馆的馆长王璜生老师商讨首展布展时,王老师非常担忧地说,“你这个馆都是清水混凝土,这对策展人要求太高了,每一次展览都会有展览的主题,如果策展人想用点颜色都没法用。”其实在设计时我是想好两层退路的,一就是现在高精度的表面光洁的清水混凝土,因为有拱顶曲线,如果做不好,我就退而采用小模板混凝土,如果效果还不好,我就再整体喷白。好在这个项目的建设方西岸集团给予了强有力的支持,找到刚刚做完安藤忠雄设计的嘉定保利剧院的清水混凝土施工队,做出了能够把管线也暗藏入腔体的高质量清水墙。脚手架落下来的那一刻,看着如此有感染力的空间,王璜生老师也感叹,就这样吧,不要涂白了,好的策展人总有办法……开幕当天,来自全球的艺术届要人云集,美国的CNN在当日的新闻报道中称之可能会成为中国的古根海姆或者惠特尼。

▼清水混凝土墙面,fair-faced concrete wall ©大舍

事实证明,五年来,龙美术馆里的每一场展览对每一位艺术家而言都获得了空前的成功。这空间逼迫策展人和艺术家在这样的空间里努力寻找独特的方式去呈现艺术作品。最早坚定我在展厅中仍采用清水混凝土的是来自彼得·卒姆托的一段话,他在设计奥地利的布列根兹美术馆时对于展厅采用了清水混凝土墙面的质疑时曾说:“我不喜欢美术馆建筑都是清一色的白色空间,到处是石膏板和白色的涂饰。毫不夸张地说,好的艺术作品陈列在布列根兹的展厅中会更显魅力,当然,差的作品在其中也会显得更差。”后来日本森美术馆的馆长南条史生在给艺术家展望个人大展“境象”策展时也说了类似的话,大意就是这个空间会强化好的作品,不好的作品在这个空间中是无法掩饰的。的确,很多艺术家都会用一两年甚至更多的时间来准备龙美里的展览。听到的第一个被龙美的空间吸引一定要来这里作展的艺术家是埃利亚松(Olafur Eliasson),那时龙美还是工地,从工地的废墟般的空间出来,埃利亚松对馆长王薇说,两年后,我来做展。于是就有了2015年的“无相万象(Nothingness is not nothing at all)”,大厅里的作品《开放的金字塔(The open pyramid)》是完全根据龙美的空间创作的,他用一个古埃及的空间隐喻回应了这个带有古罗马气质的拱形大厅。

▼“开放的金字塔”,埃利亚松,The open pyramid ©Olafur Eliasson

蛇形画廊的小汉斯(Hans Ulrich Obrist)也曾两次在这里策展,第一次是和徐震合作的“1109个人”,第二次是与赫佐格/德姆龙(Herzog & de M)合作的“15个房间”。第一眼看到“1199个人”的展览时非常惊讶,然后瞬间又特别喜欢,因为联想到了帕尼尼(Giovanni Paolo Panini),一下子把古罗马空间与美术馆的起源以及收藏与展示的个中隐喻都联系了起来。果然,后来徐震个展,那些裸体雕像再次提示了龙美空间的古罗马隐喻,就像一个朋友电话里说的,他说他好像走在卡拉卡拉大浴场里。

▼“1109个人”  ©苏圣亮

▼“徐震艺术大展”  ©大舍

▼“现代罗马”,帕尼尼

许多参展艺术家都针对龙美的空间创作了新的作品,丁乙、展望、喻红,要么是空间上的,比如展望的《隐形》;要么是尺寸上的,丁乙和喻红都针对龙美大厅创作了前所未有的巨幅作品。展望悬挂在龙美大厅中的12米长的不锈钢作品《隐形》采用喷火枪烤色,直到展览前4天才完成,艺术家说在这之前他都不知道效果是怎样,但是却非常肯定地预知着成功。

▼“隐形”,展望  ©龙美术馆

▼“婆娑之境”,喻洪  ©小鞠头

向京是我最喜欢的当代艺术家之一,她的雕塑和她的人都近乎完美,她也是两年前就开始为龙美的个展做准备,但是她可能太在意龙美的空间了,她把龙美的自然光全部遮掩,而是采用全人工光线,表达恒定的展示效果,仿佛置身深不见光的地底洞穴。其实她的作品本身就具备抵抗一切的能量,自然光线会更有生命感,我想只要随意放置就好。有趣的是,最早在绘制龙美的效果图时,我就扫描了她送我的《全裸》画册,大量地使用了她的雕塑的贴图。龙美首展中二层的那匹马,有一个忧伤的作品名:《这世界会好吗?》,一进门你就可以看到那沉静中却透着忧郁的姿态。

▼“没有人替我看到”,向京  ©龙美术馆

▼“这个世界还会好吗”,向京 / 龙美首展“借古开今”

最“无视”龙美空间的展览是杨福东的“明日早朝”,他直接把美术馆变成了他拍片的现场,这一想法据说酝酿了十年。大厅里“宋代朝会”的布景每周变化一次,观众每天看到不同的景象与表演,一个月的拍摄,杨福东把每天的拍摄剪辑做成30部《早朝日记》,所以一张门票是至少可以看两次的,前一个月看现场,后两个月看成果。

▼“明日早朝”,杨福东

人流量最大的展览应该是詹姆斯·特瑞尔(James Turrel)的作品回顾展“Immersive Light(沉浸之光)”,展览涵盖了特瑞尔五十年来的艺术杰作,包括其代表性的灯光与空间装置和精选的摄影、版画作品。这个展肯定创下了龙美术馆西岸馆的观展记录,展览推迟了一周,然而,还是差了一周,馆长说,还差一周,门票收入就把办展成本赚回来了。不得不说,沉浸式展览在当下的所受到的欢迎程度,James Turrel既有艺术的高度,又有受众的广度,和teamLab这一类型的网红展览还是不可同日而语。因为下一个展望个展档期已定,只能撤展了。这一年龙美术馆西岸馆的观展人数在上海所有的美术馆中排名第二,排第一的是位于浦东的总建筑面积16.68万平方米的世博中国馆——中华艺术宫。排第四的是我们继龙美之后设计的艺仓美术馆。

▼“沉浸之光”,詹姆斯·特瑞尔,Immersive Light, James Turrel

我最喜欢的两个展览,一个是安东尼·戈姆雷(Antony Gormley)“静止中移动(Still Moving)”,一个是路易斯·布尔乔亚(Louise Bourgeois)“永恒的丝线(The Eternal Thread)”。

毫无疑问,戈姆雷是最建筑的艺术家,他的每一个作品,几乎都是在为他的身体造一个建筑。“如果说思想在身体中,身体在衣服中,衣服在房间中,房间在建筑中,建筑在城市中,它们有最终的表层吗?”的确,我们完全可以把建筑理解为身体的表层,这是建筑的开始,可能也是最终极的回归。5年前龙美落成的那一天,戈姆雷也受邀参加了开馆仪式,在龙美的大厅里,他开始想象他的作品在这里展出的情景。“龙美术馆给我的第一感觉就与众不同。这个空间不是由各个地方拼接起来,而感觉像是一个被铸造出来的整体。如果在这里展览,这个空间可以发挥很多的潜力和想象空间。这个空间就像雕塑出来的一样,和我的作品之间有很大联系。”我很高兴他能这么说,尽管我们未能如面,但是我们已经通过各自的作品进行了最深切的对话。

▼“安东尼·戈姆雷:静止中移动”展厅现场  ©Oak Taylor-Smith(上),大舍(下)

都说布尔乔亚的大蜘蛛和龙美大厅的空间最匹配。的确,蜘蛛的尺度、形态都极好地呼应着龙美大厅的空间,这是她1999年创作的最著名的雕塑作品。身体也是布尔乔亚的最重要的创作来源,她的身体就是她的雕塑。那只大蜘蛛作品名为《妈妈(Maman)》,我想龙美这个拱形的空间因为蜘蛛的存在而带入了远古的洞穴感,也因为其名曰《妈妈》而让我想到孕育生命的女性的子宫。这正是这个建筑五年来不断令我深思的地方,因为空间结构的多义性存在,每个展览都会因为独特的内容与背景而激发出其不同的空间意义,因而也呈现了艺术作品及其展览的多样性与深度感。

▼“妈妈”,布尔乔亚,Maman, Louise Bourgeois  ©一条

美术馆是一个神奇的地方。而建筑,从未远离艺术。

感谢龙美术馆给我们带来这么多精彩的艺术展览。

▼樱花绽放的龙美术馆,Long Museum West Bund with cherry blossom ©田方方

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